Las redes sociales, la página oficial del Artista y su canal de YouTube son puntos de encuentro para su fandom, y por eso no solo deben estar actualizados sino que es imprescindible generar contenido todo el tiempo, aunque solo sea compartir un video clip de un super hit del Artista.
Cuando comencé a trabajar para CM Murphy en 2012, las cuentas en redes sociales de INXS estaban bastante desatendidas.
Por ejemplo, no tenían modo de recuperar el usuario de MySpace, que logré recuperar probando la propiedad de la marca registrada en Europa.
La página oficial de Facebook solo tenía 400.000 seguidores, y el canal oficial de INXS en YouTube estaba prácticamente abandonado: no se llamaba INXS, no tenía subidos los video clips oficiales de la banda y no estaba monetizado.
Mi primera tarea fue contactarme con YouTube y pedir que le cambien el nombre de INXSOfficial a INXS.
Luego, obtuve una cuenta de YouTube Music Partner para poner reclamar y monetizar todo el catálogo de la banda que no estuviera licenciado a algún sello.
Además comencé a subir los video clips oficiales con los créditos correspondientes, y a publicar cada “estreno” en Facebook para que sus fans supieran que estaban online y así sumar vistas.
También unifiqué los banners y la marca de agua con las fotos y logos que usábamos en las redes y página web de la banda.
Y creé varias listas de reproducción. Por ejemplo una de ellas fue con los videos mas votados por sus fans en Facebook, con lo cual, también generé engagement en esa plataforma, primero con la encuesta sobre los videos favoritos, y luego compartiendo la playlist con los resultados, que sumaron vistas a YouTube.
Manager de Luis Miguel
Luis Miguel La Serie
Luis Miguel Netflix
Abogada especialista en Derechos de autor
Derechos de autor
Licencias de música
Veronica Dias Alfieri es abogada especialista en Derecho de la Música y del Entretenimiento
En 2012, INXS estaba de gira por Australia pero las buenas intenciones de editar material de estudio nuevo no se materializaban. No era algo nuevo, salvo el álbum “Switch” de 2005, grabado como parte del reality Rockstar, todos los intentos de entrar al estudio de la banda fracasaron, pese a que lo intentaron con tres frontmen diferentes.
CM Murphy hacía magia para lograr la atención del público pero el último álbum de grandes éxitos “The Very Best”, de 2011 no vendía bien.
Hasta que recibió un llamado que cambiaría el destino de esa compilación y de la relación de INXS con el público australiano que les había dado la espalda cuando la banda alcanzó el éxito internacional: INXS no eran profetas en su tierra.
Un día Chris recibe la propuesta de la productora Shine para hacer una miniserie sobre INXS para Canal 7 de Australia, y CM cazó la oportunidad al vuelo.
Cuando en octubre de 2012, la banda oficialmente anunció que se bajaba de los escenarios, con CM como productor ejecutivo, nos dedicamos 100% a que la miniserie sea un éxito.
Uno de mis variados roles era el de Comunity Manager de sus usuarios en redes sociales, y lo primero que hice fue eliminar todo contenido que no incluyera a Michael Hutchence. Y luego, solo usando material de archivo desarrollé un plan de posteos diarios principalmente con material entre 1985 y 1993, para sumar seguidores.
Un año después, pese a que la banda se había bajado de los escenarios para siempre, sin cantante, y sin nuevos planes (porque la miniserie todavía no se había anunciado), sus seguidores habían crecido un 300%, y estaban listos para el anuncio de la miniserie.
Batió records de televidentes y fue lo más visto en Australia ese año.
Chris Murphy se había preparado para esa posibilidad: junto con la miniserie, se reeditó en DVD el mítico concierto de Wembley de 1991 “Live Baby Live” con el audio remasterizado por Mark Opitz, y se puso en alquiler por iTunes.
Además, el concierto de Wembley se editó por primera vez en un CD de audio y en formato digital bajo el nombre de “INXS Live At Wembley Stadium 1991” alcanzando certificación Platino.
Y la compilación “The Very Best” de 2011 fue reeditada batiendo todos los records. Hoy está certificada Disco de Diamante en Australia, culminando el 2020 como “The Australian Album of the Decade”, y con INXS votados por el público como “Artist of the Decade” (ahora sí son profetas en su tierra).
Afortunadamente Chris Murphy pudo disfrutarlo.
El trabajo en equipo que hicimos los miembros de MMA Management, junto a Universal, Shine y Canal 7, bajo el liderazgo de CM Murphy, lo hizo posible.
Si bien la miniserie se distribuyó a algunas cadenas de cable en Estados Unidos y Argentina por ejemplo, no se estrenó en Netflix, y eso hizo que el éxito en Australia no se haya podido replicar en el resto del mundo.
Al día de hoy, la mayoría de los fans de INXS nunca la vieron fuera de Australia.
Abajo está el poster con el que un día de febrero amaneció empapelada toda Australia y marcó el anuncio de la fecha de estreno de la miniserie.
El primer paso es contactar a la persona correcta de la manera más directa posible: el manager o el representante.
Hay páginas de internet con información sobre los contactos oficiales de las celebridades, aunque muchas veces no tienen información actualizada y son pagas.
Muchas celebridades tienen algún contacto en su cuenta de Instagram o Facebook, o en su página web.
Además pueden ser referenciados por algún contacto en común.
Una vez que tenemos el contacto, es importante que el subject del mail (o la introducción en el llamado telefónico) sea corta y clara: los managers suelen hacer malabares con su tiempo y con la agenda de sus representados.
Es útil tener un one-sheet preparado con información de la marca y los beneficios que este endorsement le pueden traer a la celebridad.
Además es importante tener siempre presente que un artista es una marca, y que tienen un público leal que los sigue y que espera ciertas cosas de ellos, y eso requiere de parte del anunciante una flexibilidad y adaptación de la creatividad que conforme a ambas partes.
Además es primordial contar con tiempo suficiente entre la propuesta y la fecha de salida al aire de la campaña, porque los artistas top suelen tener agendas muy apretadas.
Si quieren la participación de un artista A1 en un endorsement, solo piensen esto: si van a comprar una Ferrari, van con el dinero del precio de lista mas el dinero de la personalización. Y acá es igual.
He visto negociaciones caerse no porque la creatividad sea mala, sino porque el negociador fue con la actitud de comprar un auto usado. Todavía está esperando que le respondan.
Las sincronizaciones son, por un lado, una fuente alternativa de ingresos pasivos, y por el otro, una forma de marketing.
MTV fue una idea genial: era un canal de infomerciales. El videoclip era la publicidad que te decía: “¡Compra el álbum!”, y los televidentes nos pasábamos horas y horas mirando comerciales de álbumes. Los demás canales de música replicaban este modelo de negocio.
MTV fue cambiando hasta transformarse en un canal de realities y a su vez, la forma de descubrir música migró desde la TV y radios tradicionales a las plataformas online con YouTube a la cabeza (incluso en la era digital, el video le sigue ganando a la estrella de la radio).
Los videoclips no son otra cosa que sincronizaciones: hay un audio fijado a una historia en video. Y si bien el formato sigue teniendo validez, surgen otras alternativas para fijar audio a un video, entre los que destacamos: 1) el anuncio publicitario, ya que la publicidad fue reemplazando los jingles por canciones ya grabadas, y si el presupuesto lo permite, por canciones famosas; 2) el soundtrack en películas y sobre todo, en series (las series son adictivas y gracias al streaming, son de alcance masivo y se forman comunidades de fandom); y 3) los videojuegos.
Ventajas generales de las sincronizaciones:
Sin costo para el intérprete: El producto (ya sea un comercial, un film, una serie o un videojuego) es financiado por la marca o el productor y no tiene costo para el intérprete. Producir un videoclip implica invertir en un presupuesto, que en el mejor de los casos, gracias a YouTube, ahora puede recuperarse. Ambos productos no se excluyen, sino que se complementan.
Relanzamiento de temas viejos: Una sincronización permite que temas que ya no están siendo promocionados por el artista vuelvan a sonar en TV, radio e internet.
Penetración en nuevos mercados y en nuevos segmentos demográficos: A través de las sincronizaciones, un artista puede empezar a sonar en un territorio donde jamás tocó o donde jamás su disco fue lanzado o promocionado de manera tradicional por el sello discográfico. Además, puede ser descubierto por generaciones nuevas (favoreciendo el crossover generacional) o por un público que no es el público base del artista. Esto es una herramienta de marketing en el caso en que el artista esté de gira en ese territorio, esté lanzando un disco o bien, es una manera en que el management del intérprete aproveche la publicidad para hacer algún tipo de promoción, como ser lanzar una nueva lista de reproducción o algún compilado digital con el nombre del tema de la publicidad (el costo de producción de una lista de reproducción o de un EP digital es virtualmente “cero”).
Nueva fuente de ingresos pasivos: el artista no tiene que trabajar para ganar el dinero de la sincronización porque ya lo hizo cuando grabó el master o cuando compuso la obra. Si bien el market share para la industria de la música de las sincronizaciones en el total de regalías derivadas de los derechos de autor representa un porcentaje minoritario, para un artista A1 no deja de ser una suma interesante ya que sus canciones cotizan alto, y además es una fuente de ingreso inmediata y líquida (no tiene que esperar un año a que le paguen regalías por ejecución pública o venta de discos).
Repetición: Equivale a lo que era tener un video o single en alta rotación en MTV o en la radio: sonaba una vez por hora.
1) Ventajas específicas del anuncio publicitario:
Relaciones a largo plazo con marcas líder: Hay marcas que renuevan año a año una misma publicidad institucional pagando todos los años una nueva licencia por sincronización.
2) Ventajas específicas de las películas y series:
Penetración en nuevos mercados y en nuevos segmentos demográficos: A diferencia de los avisos publicitarios, donde prevalecen las campañas locales, en una película o serie de distribución global, el alcance es mundial.
Nueva fuente de ingresos pasivos por ejecución pública y derechos conexos: a diferencia de las publicidades, donde en la mayoría de los casos solo hay ingresos por la sincronización (si bien hay casos donde los hay por ejecución pública también), en las sincronizaciones en películas y series, además del ingreso directo por la sincronización, luego hay ingresos por ejecución pública y derechos conexos cada vez que la película o serie es transmitida ya sea por cine, TV tradicional, streaming, o copia privada en los territorios donde ese tipo de regalía se recauda.
3) Ventajas específicas de los videojuegos:
Penetración en nuevos mercados y en nuevos segmentos demográficos: Al igual que con las series y películas, el alcance es mundial y además, llegan a públicos jóvenes, lo que para artistas con larga trayectoria sirve de crossover generacional.
Repetición: Es aún más intensa que en una publicidad porque suena el tema entero cada vez que el jugador está jugando. Y los juegos son adictivos.
¿Qué tiene que hacer un artista para aumentar sus oportunidades de sincronización?
La respuesta es simple: Solucionar los problemas de los music supervisors, quienes tienen que conseguir una canción que se adapte al guion dentro del presupuesto y a tiempo:
Guion: El problema del guion no es algo que en principio el artista pueda controlar, salvo rechazarla propuesta, pero si tenemos en cuenta que tanto las publicidades como las películas, series y videojuegos apuntan a un público masivo, un artista mainstream tiene muchas más posibilidades que una banda de death metal, por ejemplo.
Presupuesto: La mayoría de las veces, los music supervisors apuntan a canciones conocidas, ya sea porque el cliente, productor o director así lo solicitan, o bien porque usan un tema conocido de referencia para luego elegir algo indie en ese mood o estilo. El principal problema de los temas conocidos es el alto valor de la licencia de sincronización y la poca flexibilidad de los editores y sellos majors a la hora de negociar.
Deadline: Especialmente en publicidad, los temas son pedidos casi sobre la hora, y muchas veces las editoriales y los sellos tardan en contestar, ya sea porque tienen muchos pedidos y tardan en responderlos a todos, ya sea porque tienen burocracia interna o ya sea porque el artista que tiene que dar la aprobación final no es rápido a la hora de dar una respuesta o duda demasiado al momento de aprobar.
¿Qué puede hacer el artista para solucionar estos problemas?
Guión: Trabajar en listas de reproducción temáticas para hacer pitching a los music supervisors, por ejemplo “temas románticos”, “temas de ruptura”, “baladas”, “up-beat”, “pop”, “rancheras”, “boleros”, etc.
Presupuesto: El artista puede evaluar con su management la conveniencia o no de aceptar un fee más bajo del que se supone ese tema tiene, en virtud de los beneficios que el artista pueda obtener en forma de exposición o de sus necesidades de cashflow.
Deadline: El artista puede establecer como prioridad dar respuestas rápidas a los pedidos de sincronización para evitar perder oportunidades.
Sincronización proactiva por parte del artista:
De la misma forma en que en la época de MTV, para un artista top era muy fácil estrenar su videoclip en horario central y ponerlo en alta rotación en los canales de videoclips, hoy para un artista top es fácil usar las sincronizaciones como vehículo de promoción si tiene objetivos claros y la flexibilidad de los artistas emergentes a la hora de negociar. En este aspecto, un artista A1 cuenta con la ventaja de su catálogo lleno de éxitos.
Un artículo en LinkedIn News se pregunta esto y el post mío que citan en el mismo lo transcribo aquí y lo amplío:
Mi respuesta es un rotundo ¡SÍ!
En referencia a la música en vivo, respondo no como alguien que está en la industria de la música sino como alguien a quien le encanta ir a conciertos y como parte del fandom de varios artistas: estamos desesperados por estar en medio de una multitud.
Creo que los conciertos en lugares abarrotados no serán posibles hasta 2022, pero estoy segura de que serán más exitosos que nunca.
El ser humano es un ser gregario por naturaleza y un animal de hábitos, y más allá de que haya personas mas susceptibles y con más reservas a la hora de volver a las aglomeraciones, la gran mayoría quiere retomar su vida pre-pandemia.
Y para los amantes de la música en vivo, este 2020 y lo que quede del 2021 sin conciertos masivos, sólo aumenta las ganas de volver a ver a nuestros artistas favoritos.
Cuando gestionamos una licencia de sincronización para una producción audiovisual publicitaria o de ficción, hay algunos términos que hay que tener en cuenta:
Obra: Es la composición musical. Es lo que se plasma sobre una partitura. Tiene autores y compositores (letra y música), y es administrada por una editorial musical en la mayoría de los casos.
Master: Es la obra fijada en un soporte. Es el fonograma o la grabación de una determinada composición. El master es usualmente controlado por un sello discográfico, y como una obra puede tener varias versiones grabadas por varios artistas y cada una de ellas puede ser controlada por distintos sellos, es importante identificar correctamente el master que queremos usar.
Licencia de sincronización: Es la licencia o permiso de uso que necesitan obtener los creadores de un contenido audiovisual para poder utilizar (sincronizar) una determinada música en su creación audiovisual. Esta autorización deben obtenerla de los autores y compositores (o sus editores musicales) con respecto a la obra, y del sello discográfico con respecto al master o grabación.
Términos de la licencia: La licencia de sincronización se otorga sujeta a determinados términos o condiciones como: territorio (un determinado país, varios o el mundo), plazos (usualmente una determinada cantidad de meses en sincros publicitarias, y de forma perpetua en sincros para películas, series o documentales), medios (TV, radio, internet, redes sociales, cine, etc.), fee (el valor de la sincro), y aprobación de la creatividad.
Valor Estimado: Es un primer valor sobre la obra y el master que informan los administradores de los derechos pero que todavía está sujeto a negociación y que puede variar de acuerdo a los términos finales de la licencia.
Pedido en Firme: Es el pedido que hacen los creadores audiovisuales ya con los términos finales de la licencia. En caso de que los administradores de los derechos musicales acepten este Pedido en Firme, hay obligación de pagarlo.
Presupuesto Final: Es el valor final con los términos de la licencia ya aprobados, que debe ser pagado por quien la solicitó, más allá de que finalmente use la licencia o no.
En caso de que surjan modificaciones en los términos de ésta (por ejemplo, si se quiere extender el plazo o se quieren agregar otros medios), hay que volver a negociarla.
Las librerías musicales ofrecen licencias one-stop (derechos editoriales y fonográficos gestionados en un solo lugar) a bajo costo, pero no siempre la música “en el estilo de…” es lo que más se ajusta a un determinado proyecto.
¿Qué necesitamos para licenciar un tema muy conocido?
Tiempo – Contactos – Propuesta concreta – Presupuesto
1. TIEMPO:
Para obtener una licencia de sincronización necesitamos contactar a quienes controlen los derechos editoriales (o sea el compositor o sus editores), y a quienes controlen los derechos sobre el fonograma o master (casi siempre, el sello discográfico).
A diferencia de la música de librerías, donde los derechos editoriales y fonográficos están en cabeza de la misma entidad (la librería musical), cuando hablamos de tracks muy conocidos, los derechos editoriales suelen estar en cabeza de una editorial que no está vinculada al sello discográfico que tiene los derechos del fonograma.
En ambos casos, la mayoría de las veces, tanto el editor como el sello luego deben elevar la propuesta al compositor y al intérprete (generalmente a través de sus managers) para que den la aprobación final.
Y muchas veces, la agenda de los artistas es apretada, y las prioridades de su manager son otras, lo que hace que el mail con el pedido de aprobación de la licencia quede sin leer y sea necesario volver a enviar varias veces el mismo.
Por eso, es importante contar con el tiempo necesario.
2. CONTACTOS:
No hay en internet una base de datos global que nos diga quién tiene los derechos de sincronización de determinado tema.
Eso nos obliga a tener una agenda bien actualizada con datos de contactos de sellos y editoriales majors e indies, o bien debemos hacer un trabajo de investigación en diversas plataformas, webs y organizaciones para identificar correctamente a quiénes debemos contactar.
4. PROPUESTA CONCRETA:
Tanto sellos como editoriales piden siempre una serie de requisitos antes de siquiera pasarles la propuesta a los compositores e intérpretes. Cuánto más se tarde en completar estos requisitos, más se va a demorar el tener una cotización y luego una aprobación final.
Cliente y marca: ¿Quién es el anunciante? Muchas veces, los compositores e intérpretes no quieren que su música sea usada en determinados productos o servicios, por ejemplo, bebidas alcohólicas o campañas políticas.
Cantidad de spots, medios, período y territorio: todo esto determinará el valor de la licencia.
Guión: la parte creativa es determinante, porque aunque el anunciante tenga el presupuesto necesario para licenciar ese tema, si la creatividad no es del agrado de los compositores e intérpretes, la licencia no se aprueba.
4. PRESUPUESTO:
Un tema conocido nunca es barato. Si una vez enviada la propuesta, la cotización que recibimos es elevada para nuestro presupuesto, entonces debemos buscar temas alternativos.
Por ejemplo, si queremos un Top 1 de los 80s de una banda que todavía llena estadios y no nos alcanza el presupuesto, entonces tal vez podamos reemplazarlo por un “One-Hit Wonder” de los 80s, que seguramente será muy conocido pero tendrá un valor menor.
Y acá volvemos al punto de partida: Tiempo.
Por eso, siempre es bueno tener varias opciones y cotizar varios temas en simultáneo.
En caso de no poder localizar a los editores o sello discográfico de la canción que desean utilizar, no duden en contactarse conmigo.
Sting was my favorite Artist when I was a teenager. I haven’t listened to him so much in the past years, but today I bumped into his collaboration «The Hiring Chain» for the World Down Syndrome Day 2021, and I truly love it!
En la Era Analógica, la forma en que los artistas se comunicaban con su público era a través de la prensa: los fans estábamos pendientes de las noticias y de las notas en las revistas especializadas, y los artistas debía conceder entrevistas, dar conferencias de prensa y prestarse a sesiones de fotos.
Al comienzo de la era digital, sobre fines de los 90’s, los artistas comenzaron a usar sus páginas web para comunicar en forma directa lo que estaban haciendo y ofrecer información sobre ellos, su discografía y sus giras. Usualmente, los fans íbamos a los cibercafés a conectarnos y entrar a la página de nuestros ídolos.
Recuerdo que la primera vez que me conecté a internet, lo primero que hice fue entrar a la página de INXS.
Mas adelante, surgieron los grupos de Yahoo con sus cadenas de mails y los foros de discusión, y hace algo mas de 10 años, Facebook vino a cambiar la manera en que los fans interactuamos con nuestros artistas y entre nosotros.
Aparecieron los grupos y fanpages, y sobre todo, los artistas encontraron una manera directa de interactuar con los fans sin tener de intermediaria a la prensa.
Por eso es primordial que una artista tenga un plan estratégico de redes sociales, no solo para anunciar nuevos lanzamientos y giras, sino para mantener un contacto directo con su público en los períodos donde no hay material nuevo ni giras para promocionar.
Abajo pueden ver dos capturas de pantalla de WayBack Machine de 1997 cuando INXS estaba promocionando su álbum “Elegantly Wasted”, tan solo unos meses antes de que Michael Hutchence se suicidara.
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